CURRENT ISSUE Fall & Winter 2024-25 BUY NOW HIGHLIGHTS CITY GUIDE - ATHENS AEGEAN LIVING, REIMAGINED NATURE FRAMED LIVING RALPH PUCCI'S MIAMI MOMENT ART ANTWERP SHAMBALLA'S LIGHT DESIGN & INTERIORS AEGEAN LIVING, REIMAGINED ART & CULTURE RALPH PUCCI’s MIAMI MOMENT: a SHOWCASE of BOLD DESIGN DESIGN & INTERIORS ARCHITECTURAL CRITICISM on the EDGE of VIOLENCE DESIGN & INTERIORS ARAZ HOUSE a TRANSFORMATION TALE DESIGN & INTERIORS MID-CENTURY AESTHETIC in a PENTHOUSE HAVEN ART & CULTURE TIME to GET to KNOW ART ANTWERP URBAN HERE’S WHAT’S HAPPENING in the CITY PEOPLE MADS & MIKKEL KORNERUP SHAMBALLA’s LIGHT ART & CULTURE NEFELI PAPADIMOULI the SKIN CONNECTS US to the OUTSIDE WORLD DESIGN & INTERIOR NATURE-FRAMED LIVING ART & CULTURE DON’T MISS THESE 5 WORKS at MERIDIANS ART & CULTURE a SERENE PAUSE at ALCOVA MIAMI - SOMETHING LAST - More Content WHERE YOU CAN FIND US TURKEY İSTANBUL Minoa Akaretler, Minoa Bookstore Mudo Concept (Maslak / Teşvikiye / Bağdat Caddesi), Minoa Village Bey Karaköy BODRUM Gibi Bodrum, Leleg Living EUROPE London, Paris, Lisboa, Porto, Cascais, Madrid, Barcelona, Valencia, La Coruna, Menorca, Mallorca, Ibiza, Sevilla, Tenerife, Antwerp, Brugge, Brussels, Gent, Zaventem. USA CA / Los Angeles, Marine Del Rey, San Diego, San Jose, Sacramento, Roseville. NY / New York, Manhattan Beach, New Hartford. FL / Miami, Orlando, Jacksonville, Fort Myers, Fort Lauderdale. GA / Atlanta, AZ / Phoenix, WA / Seattle. CANADA Toronto, V ancouver, Montreal. O nline Shop and Subscription YUZU SHOP INSTAGRAM @yuzu.mag

December 2024 | DESIGN & INTERIORS TR BELOW AEGEAN LIVING, REIMAGINED words Alp Tekin photos İbrahim Özbunar Nestled on a captivating seaside location on the northern shores of the Bodrum peninsula, Hebil Residence is a contemporary summer home overlooking the deep blue waters of the Aegean. Comprising three levels that cascade down a hillside, the residence underwent a complete transformation under the creative direction of Enis Karavil and the Sanayi313 team, who oversaw the renewal of all structural elements, as well as the landscaping and interior design. The project began with the studio dismantling the existing built environment and reinforcing the original walls. For the new facade cladding, Hekimköy stone—a natural material native to the region—was chosen. Unlike the typical whitewashed homes of the area, this unique stone gives the house the appearance of having been carved from a single rock mass, imbuing it with a distinctive character. To ensure visual harmony and material continuity, the same stone was also used around the pool area. A SCULPTURAL SPIRAL STAIRCASE The main building spans three floors, each with its own unique layout. At the heart of the structure lies a spiral staircase connecting all three levels. With its strikingly curved silhouette that seems to float effortlessly in the void, the staircase is a sculptural centerpiece. Bathed in natural light from an overhead skylight, it serves as both a practical and architectural gesture, distributing light seamlessly between floors. On the ground floor, a characterful powder room reflects the overall ambiance of the home. It features walls clad in woven wicker and a sculptural sink carved from a single block of stone, perched atop a solid wood vanity. The first-floor bedrooms create a sense of intimacy with custom linen-upholstered headboards seamlessly embedded into the walls, surrounding the beds and bedside tables. Meanwhile, the master bedrooms on the second floor stand out with bespoke headboards and nightstands that introduce mazelle wood into the material palette, adding a refined touch to the space. A DESIGN DRIVEN BY MATERIALS The home’s design ethos can be summarized by its primary elements: light-toned, textured surfaces, and the use of natural materials like wicker, linen, and reclaimed wood that create a sense of continuity throughout the interiors. This thoughtful material selection serves two key purposes: it highlights the bespoke furniture and provides the homeowners with a serene backdrop to display their art collection. The collection itself includes impressive pieces that punctuate the residence: a Hermann Nitsch painting behind the dining table, a Jannis Kounellis installation behind the bar, a Marion Verboom sculpture across from the fireplace, and a piece by Arik Levy. With its sculptural details, thoughtful materiality, and seamless integration of art, Hebil Residence stands as a harmonious retreat that redefines modern coastal living. YENİDEN YORUMLANAN EGE EVİ Bodrum yarımadasının kuzeyinde büyüleyici bir deniz kenarında yer alan Hebil Residence, Ege'nin mavi sularına bakan modern bir yazlık ev. Bir yamaçtan aşağıya doğru kademeli olarak açılan üç yerleşimden oluşan evin mevcut tüm yapısal elemanlarının yenilenmesi, peyzaj ve iç mekan tasarımı yönetimi Enis Karavil liderliğindeki Sanayi313 tarafından gerçekleştirilmiş. Stüdyo, mevcut yapılı çevreyi ve orijinal duvarların statik güçlendirmesini tamamen yıkarak projeye başlamış. Yeni cephe kaplamasında bölgenin doğal taşlarından Hekimköy taşı kullanılmış. Bölgenin tipik beyaz badanalı evlerinden farklı olarak bu özel taş, sanki bir taş kütlesinden oyulmuş gibi eve benzersiz bir karakter kazandırıyor. Aynı taş, görsel bir uyum ve malzeme sürekliliği sağlamak için havuzun etrafında da kullanılmış. SPİRAL MERDİVEN HEYKELSİ BİR UNSUR GİBİ Ana bina, her biri farklı yerleşim düzenine sahip üç kattan oluşuyor. Yapının merkezinde yer alan spiral merdiven üç katı birbirine bağlıyor. Boşlukta süzülüyormuş gibi görünen çarpıcı kıvrımlı siluetiyle merdiven heykelsi bir unsur gibi! Yukardaki tavan penceresinden bol miktarda doğal ışık alan merdiven, ışığı katlar arasında dağıtarak aynı zamanda mimari bir jest işlevine de sahip. Duvarları hasırla kaplı, masif ahşap bir makyaj ünitesinin üzerine monoblok taştan oyulmuş heykelsi lavabonun yer aldığı zemin kattaki tuvalet odası ise evin genel ambiyansını yansıtan karakteristik alanlardan biri. Birinci kattaki yatak odalarında yatağı ve komodinleri saran duvara gömülü keten yatak başlıkları, oda sakinlerini kucaklayan kompakt bir alan yaratıyor. İkinci kattaki ana yatak odaları ise malzeme paletine mazel kaplama ekleyen özel yapım yatak başlıkları ve komodinlerle öne çıkıyor. MALZEME SEÇİMİNİN NEDENİ Evin tüm alanlarının ana tasarım unsurlarını şöyle özetlemek mümkün: Açık renkli, dokulu yüzeyler ve mekanlar arasında süreklilik hissi yaratan hasır, keten ve eskitilmiş ahşap gibi doğal malzemeler… Bu malzeme seçiminin önemli bir nedeni var. Hem özel yapım mobilyaların ön plana çıkmasını sağlıyor hem de ev sahiplerine sanat koleksiyonlarını sergileyebileceği bir alan sunuyor. Nitekim evin içindeki eserlerden bazıları şöyle sıralanıyor: Hermann Nitsch tablosu (yemek masası arkasında), Jannis Kounellis’in enstalasyonu (barın arkasında), Marion Verboom’un heykeli (şöminenin karşısında) ve Arik Levy’nin heykeli.

December 2024 | DESIGN & INTERIORS TURKISH BELOW ARCHITECTURAL CRITICISM on the EDGE of VIOLENCE words Alp Tekin The shared belief that nothing will change or new ideas cannot emerge without a critical perspective on the world... This was the starting point for the "Architectural Criticism" panel program organized by DAC Communication at the Istanbul Modern Museum Auditorium. Held under the title "On the Edge of Violence," the program featured 15 speakers this year (including Murat Germen, Deniz Ülke Kaynak, Erdem Ceylan, Alireza Taghaboni, Heval Zeliha Yüksel, Celal Abdi Güzer, Hürriyet Öğdül, Ahmet Tercan, Ece Ceylan Baba, Levent Çırpıcı, Emre Arolat, Bekir Ağırdır, Can Öz, Korhan Gümüş, Bülent Tanju, and Nilay Örnek) across four sessions. The program addressed architectural criticism through themes such as earthquakes, migration, and war. The first session, titled "Destruction-Architecture-Wounded Spaces," was moderated by Prof. Dr. Ece Ceylan Baba and featured researcher Bekir Ağırdır, architect Emre Arolat, and architect, photographer, and archivist Murat Germen, who shared insights on collaborative efforts following the Antakya earthquakes. SELECTED HIGHLIGHTS FROM THE TALKS EMRE AROLAT: I can begin by highlighting how we fail to organize even within the field of architecture. Sometimes, the goodwill of architecture is, in fact, profoundly detrimental! What emerged was a narrative of structured, orchestrated violence—but unfortunately, this orchestration was not genuinely architect-driven. This political construct blatantly instrumentalized architecture, steering it towards a specific agenda. MURAT GERMEN: Wherever there is significant capital and property, there is power, and where there is power, exploitation—and hence violence—is not just on the fringes but at its very core. Recently, the city has become the epicenter of this violence. Cities are no longer spaces of freedom but of captivity! DENİZ ÜLKE KAYNAK: Migration has brought with it the concept of profound displacement and rootlessness. People are no longer individuals, no longer free. They are not in that global order where rights are prioritized and their boundaries are expanded. CAN ÖZ: Sometimes, the cracks life leaves in you can make you stronger, but more often than not, they make you weaker. Across stadiums, in sports, and everywhere else, we see this. In places where the city splits apart... Looted, shattered areas have turned into questionable construction sites, becoming hideous structures inaccessible to the public. NİLAY ÖRNEK: We all have a collective memory, like a cloud. Verbal archives, documentaries, and their integration are essential. Otherwise, we find ourselves lost in an incomplete puzzle. We lack a sense of connective wholeness. I often say, 'We’ve become effortless inheritors of ancestors.' What do we know, and how accurately do we know it? If we don’t learn the truth about the past, someone else steps in and plants their version of that memory. MİMARİ ELEŞTİRİ- ŞİDDETİN KIYISINDA Dünyaya eleştirel gözle bakmadıkça hiçbir şeyin değişmeyeceğine ve yeni bir şeyin üretilemeyeceğine dair ortak inanç… İstanbul Modern Müze Oditoryumu’nda DAC İletişim tarafından organize edilen Mimari Eleştiri panel programı bu bakış açısından yola çıkarak yapıldı. “Şiddetin Kıyısında” başlığıyla gerçekleşen programda bu yıl 15 konuşmacı (Murat Germen, Deniz Ülke Kaynak, Erdem Ceylan, Alireza Taghaboni, Heval Zeliha Yüksel, Celal Abdi Güzer, Hürriyet Öğdül, Ahmet Tercan, Ece Ceylan Baba, Levent Çırpıcı, Emre Arolat, Bekir Ağırdır, Can Öz, Korhan Gümüş, Bülent Tanju ve Nilay Örnek) dört farklı oturumda yer aldı. Deprem, göç ve savaş başlıkları ekseninde mimarlık eleştirisinin konuşulduğu üç oturumun ilki, “Yıkım-Mimarlık-Yaralı Mekanlar” oldu. Prof. Dr. Ece Ceylan Baba moderatörlüğünde yapılan bu oturumda Antakya depremlerinin ardından ortak çalışmalar yapan araştırmacı Bekir Ağırdır, yüksek mimar Emre Arolat ve mimar, fotoğraf sanatçısı ve arşivci Murat Germen konuştu. KONUŞMALARDAN SEÇKİ EMRE AROLAT: Sadece mimarlık alanında bile nasıl örgütlenemediğimizin altını çizerek başlayabilirim. Mimarlığın iyi niyeti bazen hakikaten çok kötüdür! Ortaya çıkan hikâyenin bütünlüklü ve kurgulanmış bir şiddet olduğunu, ama bu kurgunun maalesef gerçekten mimarlara ait bir kurgu olmadığını gördük. Bu politik kurgu düpedüz mimarlığı araçsallaştırıp enstrümantal hale getirerek bir noktaya kadar yürüdü. MURAT GERMEN: Büyük sermaye ve mülkiyetin olduğu yerde güç, gücün olduğu yerde ise yalnızca kıyısında değil, kalbinde de bir sömürü ve dolayısıyla şiddet vardır. Son zamanlarda şiddetin merkezinin kent olduğunu görüyoruz. Kent artık bir özgürlük yeri değil, esaret yeri! DENİZ ÜLKE KAYNAK: Göç aslında büyük bir yersiz yurtsuzlaşma fikrini de beraberinde getirdi. İnsanlar artık birey değil, özgür değil. Yani esas olarak haklarını ön plana çıkartan ve haklarının sınırlarını genişletmeye çalıştığı o küresel düzende değil. CAN ÖZ: Bazen dünyanın sizi kırdığı yerden güçlü çıkarsınız, ama tüm bu stadyumlarda, sporda, hatta her yerde böyle, çoğunlukla zayıf çıkıyorsunuz. Şehrin tam ortadan kırıldığı yerlerde… Yağmalanan kırılmış yerler, kamuya ne kadar ait olduğu tartışılacak inşaatlara dönüşüp kamu tarafından da kullanılamayan gudubetlere dönüşmüş durumda. NİLAY ÖRNEK: Hepimizin kolektif hafızası var, bir bulut gibi. Sözel arşivler, belgeseller ve bunların birleşmesi gerekiyor. Yoksa, eksik bir yap-bozun içinde olmaktan farksızız. Bağlantısal bütünselliğe sahip olamıyoruz. ‘Zahmetsiz ecdad sahibi’ olduk diyorum. Neyi, ne kadar biliyoruz ve ne kadar doğru biliyoruz? Eğer bizler geçmişe dair doğruyu bilmezsek, birileri geliyor ve o hafızayı ekiyor.

AEGEAN LIVING, REIMAGINED ARCHITECTURAL CRITICISM on the EDGE of VIOLENCE ARAZ HOUSE a TRANSFORMATION TALE MID-CENTURY AESTHETIC in a PENTHOUSE HAVEN NATURE-FRAMED LIVING DREAM BIG, STAY HUMBLE UNIQKA a SCENIC LAKEFRONT RETREAT AIMASIA Rugged Beauty Meets Refined Design TIMELESS PIECES at OSKLO's NEW GALLERY a FRENCH TOUCH in MOSCOW’s HEART THEIR FAVORITE EDIZIONE LIVING CORNERS, CHOSEN for YUZU - c h o i c e s - TURKISH ARCHITECTS at FERIA HABITAT VALENCIA SUMMER VILLA where MINIMALISM EMBRACES the ART of LIVING A TRANQUIL OASIS AN ART-FILLED, DYNAMIC NEW YORK HOME CRAFTSMANSHIP and SCANDINAVIAN ELEGANCE FOODIE ARCHITECTS: ALA ZREIGAT & OSCAR ENGROBA MINIMALIST PENTHOUSE in VANCOUVER LUXURY ACCESSORIES collaborations BRANDILERA HOUSE Show More

December 2024 | Art & Culture FOR TURKISH RALPH PUCCI’s MIAMI MOMENT: a SHOWCASE of BOLD DESIGN words Matteo Pazzagli A Quick Reminder for Those Who Might Have Missed It During the Art Basel Miami Rush: RALPH PUCCI, during Art Basel Miami Beach, unveiled Primal Mysteries—its first in-house collection in nearly a decade. If you missed the buzz, the exhibition continues at the brand’s striking new 10,000-square-foot gallery in Wynwood, which opened in December 2023. The gallery features fresh creations by the studio’s Manhattan-based sculptors, alongside vibrant contributions from collaborators Marjorie Salvaterra and Patrick Naggar. A JOURNEY TO THE ROOTS OF CREATIVITY Primal Mysteries is more than a furniture collection—it’s a homage to the timeless essence of art. Drawing inspiration from modernist masters like Giacometti and Brancusi while paying tribute to ancient cultural expressions, the pieces exude a raw, handcrafted energy. The focus? Sculptural lighting and tables that are grounded yet refined. Each piece is crafted by hand at RALPH PUCCI’s Manhattan studio. Standouts like the Giant Mask and Primal Chandelier offer a refreshing antidote to today’s overly digital world with their tactile, earthy vibe. MARJORIE SALVATERRA California-based photographer Marjorie Salvaterra, known for her ability to explore the multifaceted roles demanded of women through black-and-white imagery, surprises with Sheila in Technicolor. This surreal series drenched in bold, commanding hues delves into the complexities and contradictions of modern womanhood. PATRICK NAGGAR A longtime RALPH PUCCI collaborator, Patrick Naggar once again demonstrates why he’s a design icon. Known for blending historical and cultural references with modern aesthetics, Naggar’s contributions include fresh tones for his Amalfi and Positano chairs, alongside elegant new designs like the Floral Chandelier and Twisted Stem Wall Sconces.

December 2024 | Art & Culture FOR ENGLISH RALPH PUCCI: CESUR TASARIMIN VİTRİNİ words Matteo Pazzagli Art Basel Miami yoğunluğu sırasında gözünüzden kaçtıysa bir hatırlatma: Yaklaşık on yıl sonra kendi bünyesinde hazırladığı ilk koleksiyon olan Primal Mysteries’i Art Basel Miami Beach sırasında tanıtan RALPH PUCCI’nin sergisi Aralık 2023'te Wynwood'da açtığı 10.000 metrekarelik göz alıcı yeni galerisinde devam ediyor. Stüdyo, Manhattan merkezli heykeltıraşlarının yeni eserlerinin yanı sıra işbirlikçileri Marjorie Salvaterra ve Patrick Naggar'ın canlı ve yeni katkılarını da galeride bir araya getiriyor. YARATICILIĞIN KÖKLERİNE YOLCULUK Primal Mysteries sadece bir mobilya koleksiyonu değil, sanatın zamansız özüne bir övgü. Giacometti ve Brancusi gibi modernist ustalardan esinlenirken eski kültürel ifadelere de selam gönderen bu parçalar, ham ve el yapımı bir enerji taşıyor. Odak noktası? Heykelsi aydınlatma ve masalar, ayakları yere basan ama rafine bir his veriyor. Her bir parça RALPH PUCCI Manhattan stüdyosunda elle yapılmış. Günümüzün aşırı dijital yüküne karşı ferahlatıcı bir panzehir olan “Giant Mask” ve “Primal Chandelier” özellikle öne çıkan parçalar. MARJORIE SALVATERRA Genellikle siyah-beyaz çalışan ve modern yaşamda kadınlardan talep edilen rolleri araştırma becerisiyle tanınan Kaliforniyalı fotoğrafçı Marjorie Salvaterra, “Sheila in Technicolor” ile şaşırtıyor. Cesur tonların yer aldığı bu sürrealist kadın portreleri serisi, modern dünyada kadın olmanın karmaşıklığına ve çelişkilerine odaklanıyor. PATRICK NAGGAR RALPH PUCCI'nin uzun süreli iş birlikçilerinden biri olan Patrick Naggar, neden bir tasarım ikonu olduğunu bir kez daha kanıtlıyor. Tarihi ve kültürel referansları modern duyarlılıklarla harmanlamasıyla tanınan Naggar, Amalfi ve Positano sandalyelerinin yeni tonlarının yanı sıra zarif Floral Avize ve Twisted Stem Duvar Aplikleriylet galeride yerini alıyor.

December 2024 | DESIGN & INTERIORS TURKISH BELOW ARAZ HOUSE a TRANSFORMATION TALE words Alp Tekin photos İbrahim Özbunar Located in Kemerburgaz, Istanbul, Araz House is the reimagining of a detached home originally built in 2013. Redesigned to meet modern living standards, the project was carried out by the Istanbul-based architecture studio Pimodek, founded by Hasan Basri Hamulu. While preserving the original exterior façade, the interior spaces have been transformed into a contemporary living environment. A FUNCTIONAL AND AESTHETIC TRANSFORMATION During the redesign process of the four-story home, the Pimodek team prioritized the daily routines and needs of the homeowners. The original layout, which featured predominantly enclosed spaces and lacked functionality and aesthetic alignment with family life, was entirely overhauled and rebuilt. THE HEART OF THE HOME The ground floor, considered the heart of the home, houses the living room and kitchen. The linear layout of the living room combines a seating area, dining space, and a cozy nook with a fireplace. The architectural shell introduced in the redesign is a key element that ties the contemporary aesthetic together. Connected to the living room, the kitchen—one of the most frequented areas for the family—was expanded for greater usability. A winter garden was also added, creating a stylish connection between the indoors and outdoors, enriching the overall living experience. bir DÖNÜŞÜM HİKAYESİ ARAZ EVİ İstanbul, Kemerburgaz’da konumlanan Araz Evi, 2013’te inşa edilmiş müstakil bir konutun günümüz yaşam standartlarına uygun şekilde yeniden tasarlanmış hali. Yüksek Mimar Hasan Basri Hamulu’nun kurucusu olduğu İstanbul merkezli Pimodek tarafından tamamlanan projede yapının dış cephesi korunarak iç mekanlar çağdaş bir yaşam alanına dönüştürülmüş. FONKSİYONEL VE ESTETİK DÖNÜŞÜM Pimodek ekibi dört katlı evin tasarım sürecinde ev sahiplerinin günlük rutin ve ihtiyaçları dikkate almış. Nitekim orijinal planında kapalı mekanların ağırlıkta olduğu ve aile yaşamına hem fonksiyonel hem de estetik açıdan uyum sağlamayan yapı, tamamen yıkılarak yeniden düzenlenmiş. EVİN KALBİ Evin kalbi olarak görülen zemin katta salon ve mutfak yer alıyor. Lineer planlı salon; oturma ve yemek alanıyla şömineli dinlenme köşesini bir araya getiriyor. Projeye dahil edilen mimari kabuk ise çağdaş tasarım anlayışını tamamlayan en önemli unsur. Salona bağlanan mutfak aile bireylerinin en çok zaman geçirdiği alanlardan biri olduğu için genişletilmiş. Ayrıca mutfağa eklenen kış bahçesiyle iç ve dış mekan arasında şık bir bağlantı sağlanmış.

RALPH PUCCI’s MIAMI MOMENT: a SHOWCASE of BOLD DESIGN TIME to GET to KNOW ART ANTWERP NEFELI PAPADIMOULI the SKIN CONNECTS US to the OUTSIDE WORLD DON’T MISS THESE 5 WORKS at MERIDIANS a SERENE PAUSE at ALCOVA MIAMI - SOMETHING LAST - EXHIBITION SPREADING THROUGH the VINEYARDS TIME to GET to KNOW LISBON ART WEEKEND 5 MUST-SEE EXHIBITIONS in ISTANBUL NEW DESIGN LANGUAGES FROM FOUR DESIGNERS ART BASEL PARIS Highlights FOR the 2nd time ALCOVA in MIAMI BEN BROWN ‘I would like to buy a bigger Agnes Martin’ LUKE EDWARD HALL's PATMOS dreams 10 AMAZING THINGS about NOMAD Capri FRANCK LEBRALY The HERO of our LAST ISSUE LET’S MEET at the 'TABLES YOU CAN'T BE' dinner The HIGHLIGHT of the WEEK: NOMAD CAPRI VUSLAT ‘Kendimizi her şeyden üstün görüyoruz’ ‘We see ourselves above all else’ Oyuncağı sanata dönüştüren TOYKONTAKT TOYKONTAKT turns toys into art HANS OP DE BEECK “Life is never one-dimensional” Daha Fazla

December 2024 | Art & Culture FOR TURKISH DON’T MISS THESE 5 WORKS at MERIDIANS words Alp Tekin This year, Art Basel Miami Beach celebrates the fifth anniversary of “Meridians,” a section dedicated to large-scale works. Curated by Yasmil Raymond, the 2024 selection showcases monumental pieces that are not to be missed. Here are five standout works from this year’s program. 1. ANASTASIA BAY / Venus Over Manhattan Paris-born and Brussels-based Anastasia Bay presents Maestra Lacrymae Acte V, a multi-dimensional installation created exclusively for Art Basel. This work builds upon Bay’s recent solo exhibition, which blends painting, opera, and historical myths. The installation features a suite of three large paintings on uniquely shaped panels and a monumental Harlequin puppet first introduced in Maestra Lacrymae. This nearly five-meter-tall puppet draws inspiration from giant puppets often seen in Belgian festivals like the Nord Carnival and appears in Bay's paintings towering above crowds. For Bay, this character embodies themes of transformation and resilience, connecting historical myth with contemporary identity. Maestra Lacrymae Acte V is on view at the M17 booth. Photos / Courtesy of the artist and Venus Over Manhattan, New York. 2. ALICE AYCOCK / Galerie Thomas Schulte Alice Aycock’s large-scale sculptures and installations often explore themes such as cybernetics, phenomenology, physics, post-structuralism, scientific discoveries, and computer programming, situated at the intersection of architecture and sculpture. At Art Basel Miami Beach, her work Goya will be exhibited. Presented by the Berlin-based Galerie Thomas Schulte, this new piece is made of powder-coated aluminum steel and depicts a vortex of twisting ribbons that alternately tighten and loosen. Photo / Alice Aycock’s 2014 work, HOOP-LA. 3. PORTIA MUNSON / P-P-O-W For nearly 30 years, Portia Munson has decoded the hidden cultural messages embedded in mass-produced objects through maximalist installations, sculptures, paintings, and digital prints. Scouring secondhand shops and flea markets, she collects hundreds of objects to craft her works. Her Bound Angel (2021), on display at Art Basel Miami Beach, examines how mass production shapes identity while drawing connections to ongoing struggles for gender equality, reproductive rights, and ecological justice. 4. ROBERTO HUARCAYA / Rolf Art One of Peru’s most celebrated contemporary artists, Roberto Huarcaya has been focusing on camera-less photography since 2014. Using a primitive technique to create “photograms,” he revisits the origins of photography to capture raw realities. At Art Basel Miami Beach, Huarcaya will showcase a monumental piece from his Amazogramas series, offering a unique glimpse into this innovative approach. 5. ZHU JINSHI / Pearl Lam Galleries A pioneer in impasto abstract painting and Xuan paper installations, Zhu Jinshi presents Pathway, one of the highlights of “Meridians.” The work comprises three intersecting semi-circular structures of Xuan paper mounted on steel frames, forming a large matrix for visitors to walk through. Zhu’s poetic use of rice paper, cotton thread, and fine bamboo explores the connections between tradition, nature, and reality.

December 2024 | DESIGN & INTERIORS TURKISH BELOW MID-CENTURY AESTHETIC in a PENTHOUSE HAVEN words Karine Monie photos Traver Parker Nestled atop a prestigious building designed in 1929 by the renowned New York architect Rosario Candela, this sophisticated penthouse seamlessly blends mid-century aesthetics with contemporary touches. With interior design by Alec Holland, the apartment boasts breathtaking views of Central Park West while embracing an ethical and refined lifestyle. THE ALLURE OF MID-CENTURY AESTHETICS Holland’s vision for the space was largely inspired by his passion for mid-century aesthetics. This enduring style shaped every detail of the project. “I grew up surrounded by mid-century design, so having a space where I could truly highlight my favorite designers and pieces was incredibly exciting,” he shares. The apartment features a neutral color palette influenced by the calming tones of Central Park’s natural scenery. “The park’s stunning views inspired me to soften the tones. I used warm walnut accents and creamy textured fabrics throughout the space,” Holland explains. A vintage rug in the living room serves as a nod to the client’s former bohemian style. VEGAN-FRIENDLY CHOICES One of the standout features of the design is its adherence to a vegan lifestyle. “Since my client is vegan, we opted for faux leather for the dining chairs and bed, balancing style with ethics,” Holland says. The white boucle-textured sofa adds a touch of luxury, while mustard-toned vintage chairs introduce playful contrasts inspired by the bold palettes of the 20th century. A SANCTUARY AMIDST THE HUSTLE AND BUSTLE The overall ambiance of the home offers a serene retreat from the fast pace of urban life. “I always strive for my designs to feel like an escape, especially in New York!” Holland emphasizes. By prioritizing comfort and a strong aesthetic, he has created a space where the stress of the day melts away the moment one steps through the door. A MOVING ADVENTURE One of the most unforgettable moments of the project involved transporting the striking 10-foot-long sofa into the living room. Instead of cutting the sofa to fit, Holland came up with a bold solution: hoisting it onto the top of the elevator. “It was one of the craziest things I’ve ever witnessed!” he recalls with a laugh. FURNITURE AND MATERIAL HIGHLIGHTS - Dining Room: Chairs by Knoll, rug by Chilewich, sconces by Allied Maker, custom floral glasswork by Lyons Glass, vintage Mogens Koch cubby bookshelf (Modern Link). - Living Room: Sofa and pendant light by Fair, custom coffee table by ROOM, Jens chairs and TV console by DWR, artwork by Menashe Kadishman. - Stairs and Landing: Lighting fixture by Allied Maker, Saarinen table by Knoll, chairs by DWR. - Office: Custom walnut desk, vintage Wegner Wishbone chair, sofa by Ben Soleimani, side table by Global Home. MID-CENTURY ESTETİĞİNE SAHİP PENTHOUSE New York’taki lüks daireler üzerindeki etkisiyle tanınmış mimar Rosario Candela’nın tasarladığı 1929 tarihli binada yer alan bu modern ve zarif çatı katı, şehrin prestijli Central Park West bölgesinde yer alıyor. Yüzyıl ortası estetiğini modern bir dokunuşla harmanlayan dairenin iç tasarımı Alec Holland’a ait. YÜZYIL ORTASI CAZİBESİ Alec Holland’ın bu ev için en önemli ilham kaynağı, onu her zaman büyüleyen bir tarz olan yüzyıl ortası tasarımına olan tutkusu. Holland, “Yüzyıl ortası estetiğiyle çevrili bir halde büyüdüm, bu nedenle en sevdiğim tasarımlar ve tasarımcılardan bazılarına yer vereceğimiz bir alana sahip olmaktan dolayı heyecanlıyım” diye duygularını paylaşıyor. Holland, evin genelindeki renkler için nötr bir palet tercih etmiş. “Central Park'ın muhteşem manzarası, tonları yumuşatmam için bana ilham verdi ve sıcak ceviz vurguları ile kremsi dokulu kumaşları evin her yerine yerleştirdim. Oturma odasındaki vintage halı, müşterimin geçmişteki bohem tarzına bir selam niteliği taşıyor” diye açıklıyor Holland. VEGAN DOSTU SEÇİMLER Holland, “Bu evdeki mobilyalarda bol miktarda ceviz ağacı ve çeşitli dokulu kumaşlar kullanmayı tercih ettim” diyor. Evin tasarımımdaki en dikkat çekici özellik, vegan yaşam tarzı için özenle tasarlanmış sahte deri seçimi. Holland, “Müşterim vegan olduğu için yemek sandalyeleri ve yatak için suni deriler seçerek hem stil hem de etik kaygıların karşılanmasını sağladım” diye ekliyor. “Kanepedeki beyaz buklet lüks bir dokunuş katarken, hardal rengi yan sandalyeler gibi 20. yüzyıldan esinlenen renk tonları da eğlenceli kontrastlar sağlıyor”. KOŞUŞTURMANIN ORTASINDA BİR SIĞINAK Tasarımcı evin içinde dingin bir atmosfer yaratmayı hedeflemiş. Holland, “Projelerimin her zaman bir mola gibi hissettirmesini istiyorum, özellikle de New York'ta!” diyor. Güçlü stili konforla birleştirmeye odaklanan Holland, müşterilerin kapıdan içeri adım attıklarında günün tüm stresinin eriyip gittiğini hissetmelerini sağlamış. BİR KANEPE MACERASI 10 fit uzunluğundaki çarpıcı kanepeyi oturma odasına taşımak ise tam bir maceraya dönüşmüş! Holland kanepeyi taşımak için cesur bir çözüm bulmuş: Kanepeyi asansörün üstüne çıkarmak! “Şahit olduğum en çılgınca şeylerden biriydi,” diye anlatıyor Holland. DETAYLAR - YEMEK ODASI: Sandalyeler, Knoll . Halı, Chilewich. Aplikler, Allied Maker. Özel Çiçekli Cam Yapı, Lyons Glass. Kitaplık, Modern Link'ten Vintage Mogens Koch Cubby. - OTURMA ODASI: Kanepe ve sarkıt ışık, Fair. Sehpa, ROOM'dan özel tasarım. Jens Yan Sandalyeler ve TV Konsolu DWR. Sanat eseri, Menashe Kadishman. - MERDİVENLER VE SAHANLIK: Aydınlatma armatürü Allied Maker. Masa, Knoll'dan Saarinen. Sandalyeler, DWR. - OFİS: Ceviz masa özel tasarım. Sandalye eski bir Wegner Wishbone sandalyesi. Kanepe, Ben Soleimani. Sehpa ise Global Home.

December 2024 | PEOPLE TURKISH BELOW MADS & MIKKEL KORNERUP SHAMBALLA’s LIGHT words Pınar Yılmaz / Deliciae Shamballa Jewels, one of Denmark’s most iconic design brands, draws profound inspiration from the mythical Kingdom of Shamballa. This fabled realm, said to lie in a hidden Himalayan valley, represents peace, compassion, and wisdom. Founders Mads and Mikkel Kornerup channel this ethos into their handcrafted designs, adorned with spiritual symbols that invite wearers to connect with their inner Shamballa – their truest self, defined by love and enlightenment. The influence of Eastern philosophy is central to Shamballa’s identity. How does this inspiration shape your brand and creations? — MADS: Eastern philosophy has been the cornerstone of our creative journey from the very beginning. The brand itself is named after the mythical Kingdom of Shamballa, a utopia of enlightened and compassionate beings. Every SHAMBALLA creation carries this essence, embodied by our guiding symbol, the Star of Shamballa. Its four spikes represent the foundational values of our brand: Love, Joy, Wisdom, and Compassion. These principles serve as both inspiration and aspiration in all that we create. Shamballa's symbolic designs often hold deep spiritual meaning for their wearers. How does it feel to have your jewelry accompany people on their personal spiritual journeys? — MIKKEL: For us, the true value of jewelry lies not only in its aesthetic or material worth but in the emotions and intentions it represents. Jewelry has long been a vessel for spiritual expression, much like the prayer beads used across cultures and centuries. We see our creations as a tangible reminder of the values one aspires to live by – a way of wearing one’s intentions, quite literally. Luxury consumption is ever-evolving. How does Shamballa adapt to these shifts while maintaining its distinctive identity? — MADS: We are fortunate to have built a concept that offers tremendous creative freedom. Over the years, we’ve curated an unparalleled collection of unique gemstones, now a staple in our designs. This allows each client to embark on a highly personalized journey, reflecting their individual style, personality, and even current trends through SHAMBALLA jewelry. — MIKKEL: From the outset, we’ve aimed to push boundaries, particularly by encouraging men to embrace bold, expressive jewelry beyond the classic wristwatch. Today, we’re thrilled to see luxury trends evolve to welcome clients who, just a decade ago, might not have dared to wear such distinctive pieces. What has been the most memorable collection or design story in Shamballa Jewels' history? — MADS: The most unforgettable design has to be the one that started it all. In 2001, during our early days, we were honored to create a bracelet for Jay-Z. At the time, New York was experiencing a yoga and meditation boom, with many celebrities embracing the movement. Jay-Z wanted a piece that reflected this spiritual awakening rather than the conventional jewelry of the rap world. We designed a bracelet of golden beads, personalized with his clothing label’s logo, his initials, and two 0.5-carat diamonds. This marked the birth of our iconic SHAMBALLA Braided Bracelet and set us on the incredible journey we’re still on today. — MIKKEL: There have been countless remarkable moments, but seeing Karl Lagerfeld wear our SHAMBALLA Braided Bracelet – featuring full Colombian emeralds – at one of his shows stands out. I remember thinking, “We added color to Karl – we did it.” It was a moment of immense pride and a testament to how far we had come. MADS & MIKKEL KORNERUP SHAMBALLA’nın MİSTİK YOLU Shamballa Jewels, Danimarka’nın ikonik tasarım markalarından biri olarak efsanevi Shamballa Krallığı’ndan ilham alıyor. Himalayalar’daki mistik bir vadide yer alan bu krallık, barış ve huzurun sembolü. Şirketin kurucuları Mads ve Mikkel Kornerup, spiritüel sembollerle bezeli tasarımlarını el işçiliğiyle hayata geçirirken, bireyleri kendi içlerindeki Shamballa’yı keşfetmeye davet ediyor. Shamballa tasarımlarında Doğu felsefesinin etkisi çok belirgin. Bu ilhamın markanız ve tasarımlarınız üzerindeki etkisini nasıl tanımlarsınız? Bu felsefeyi mücevherlerinize taşırken hangi unsurları göz önünde bulunduruyorsunuz? — MADS: Doğu felsefesinin etkisi yaratıcı gücümüzün anahtarı ve başlangıcımızdan beri bize eşlik ediyor. Marka ismimiz bile Himalayalar’da yer alan, aydınlanmış insanların yaşadığı efsanevi Shamballa Krallığı’ndan esinleniyor. Her bir SHAMBALLA tasarımı bu ilhamı, logomuzda yer alan “Shamballa Yıldızı”nın dört köşesinde somutlaşan temel değerlerimizde taşıyor: Sevgi, Neşe, Bilgelik ve Şefkat. Shamballa’nın sembolik parçalarının kullanıcılar için manevi bir anlam taşıdığını biliyoruz. Tasarımlarınızın insanların manevi yolculuklarına eşlik etmesi konusunda ne hissediyorsunuz? — MIKKEL: Mücevherlerin değerinin sadece taşlarda değil, uyandırdıkları ve temsil ettikleri duygularda yattığına inanıyoruz. İnsanlık tarih boyunca tespihleri manevi benlikleriyle bağ kurmak için kullanmış. Biz bunu, yaşamayı arzuladığınız değerleri üzerinizde taşıma ayrıcalığı olarak nitelendiriyoruz. Lüks tüketim trendleri sürekli değişiyor. Shamballa bu değişimlere nasıl uyum sağlıyor? Zamanın ruhunu yakalarken benzersiz duruşunuzu nasıl koruyorsunuz? — MADS: Yıllar içinde tedarik ettiğimiz çok sayıda eşsiz değerli taş sayesinde yaratıcı özgürlük sağlayan konsept geliştirmiş olmaktan mutluluk duyuyoruz. Bu özgürlük, her müşterimizin tarzını, trendlerini ve kişiliğini SHAMBALLA® mücevherlerine yansıtmasına olanak tanıyan benzersiz bir yolculuğun temelini oluşturuyor. — MIKKEL: En başından beri amacımız, erkeklerin klasik kol saatinin ötesinde daha cesur mücevherler takmasını teşvik etmekti. Günümüz lüks trendlerinde sınırların giderek daha fazla zorlandığını görmekten mutluluk duyuyoruz. Bu durum, belki 5-10 yıl önce benzersiz bir mücevher takmaya cesaret edemeyecek müşterilerin artık bu tasarımları benimsemesini sağlıyor. Shamballa Jewels için en unutulmaz koleksiyon veya tasarım hikayesi nedir? O dönemi ve tasarımı sizin için özel kılan şey neydi? — MADS: En unutulmaz tasarım, her şeyin başladığı tasarım olmalı. 2001 yılında, Shamballa Jewels’ın henüz başlarında, müzik dünyasının ünlü ismi Jay-Z için bir bileklik tasarlama fırsatı bulduk. O dönem, New York’ta yoga ve meditasyonun popüler olduğu bir hareket yaşanıyordu ve pek çok ünlü bu akımın parçasıydı. Jay-Z’de bu akımın bir parçasıydı ve rap dünyasındaki geleneksel takılardan farklı daha meditatif bir bileklik talep etti. Bu doğrultuda, üzerinde kendi giyim markası logosu, baş harfleri ve iki adet 0,5 karatlık pırlanta bulunan kişiselleştirilmiş altın boncuklardan oluşan bir bileklik tasarladık. Bu, şimdi ikonik hale gelen SHAMBALLA® örgü bilekliklerin doğuşuydu ve bizi bugüne kadar süren bir yolculuğa çıkardı. — MIKKEL: Yol boyunca yaşadığımız birçok deneyim ve başarı var, bu nedenle en unutulmazı seçmek çok zor. Ancak, Karl Lagerfeld’in bir defilesinde tamamen Kolombiya zümrütlerinden oluşan ikonik SHAMBALLA örgü bilekliğimizi taktığını görmek unutulmaz bir andı. O gece kendi kendime, “Karl’a renk getirdik – bunu başardık,” diye düşündüğümü hatırlıyorum.

Media Partner Yuzu Magazine December 2024 | Art & Culture ENGLISH BELOW BUTİK VE FARKLI: ART ANTWERP words Onur Baştürk NELE VERHAEREN Managing Director ANDRIESSE-EYCK GALERIE Marijn van Kreij BELGIAN GALLERY Cindy Wright BY LARA SEDBON Stephen Whittaker DE BOER Brad Phillips DE BOER Michael St John Cut GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALERIA PRESENÇA Diogo Nogueira GALERIE CLAIRE GASTAUD Milène Sanchez GALERIE DYS Abel Burger GALERI FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERIE FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERI FLEUR + WOUTER Fiona Lutjenhuis GALLERY SOFIE VAN de VELDE Koos Buster GUY PIETERS GALLERY KETELEER GALLERY Jo Lle Dubois MAGNIN-A Amadou Sanogo UITSALLING GALLERY Aaron-Victor Peeters UITSALLING GALLERY Elia Vanderheyden BASE ALPHA GALLERY Nadia Naveau Anthena VALERIUS GALLERY Ethel Coppieters NELE VERHAEREN Managing Director ANDRIESSE-EYCK GALERIE Marijn van Kreij BELGIAN GALLERY Cindy Wright BY LARA SEDBON Stephen Whittaker DE BOER Brad Phillips DE BOER Michael St John Cut GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALERIA PRESENÇA Diogo Nogueira GALERIE CLAIRE GASTAUD Milène Sanchez GALERIE DYS Abel Burger GALERI FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERIE FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERI FLEUR + WOUTER Fiona Lutjenhuis GALLERY SOFIE VAN de VELDE Koos Buster GUY PIETERS GALLERY KETELEER GALLERY Jo Lle Dubois MAGNIN-A Amadou Sanogo UITSALLING GALLERY Aaron-Victor Peeters UITSALLING GALLERY Elia Vanderheyden BASE ALPHA GALLERY Nadia Naveau Anthena VALERIUS GALLERY Ethel Coppieters Art Brussels’ın düzenlediği global modern sanat fuarı Art Antwerp, dördüncü edisyonuyla 12-15 Aralık tarihleri arasında Antwerp Expo'ya geri dönüyor. 2021'deki lansmanından bu yana keyifli bir yıl sonu atmosferiyle karakterize edilen Art Anwerp, Davet Komitesi tarafından özenle seçilen 70 galeriye ev sahipliği yapacak. Hem köklü hem de yeni sanatçıları bir araya getirecek olan Art Antwerp’in en önemli özelliklerinden biri de Aaron-Victor Peeters (Uitstalling Sanat Galerisi), Bruno V. Roels (Galeri FIFTY ONE), Florian Tomballe (PLUS-ONE Galeri), Bert De Geyter (Settantotto Sanat Galerisi, Gent) ve Willem Boel (BARBÉ, Gent) gibi sanatçıların büyük ölçekli enstalasyonlarını sergileyecek olması. Her galerinin projesini daha iyi vurgulamak için Antwerp'in ünlü galerisi Zeno X'in eski direktörü Nina Hendrickx'in küratöryel metin yazarı olarak davet edildiğini de hatırlatalım. Fuarla ilgili merak ettiğimiz her şeyi fuarın direktörü Nele Verhaeren’e sorduk. Şimdi söz onda… Art Antwerp'i diğer fuarlardan farkı nedir? Art Antwerp'i giderek büyüyen mikro ya da butik sanat fuarları trendinin bir örneği olarak görebilir miyiz? Art Antwerp benzersiz DNA'sıyla öne çıkıyor. Butik olarak tanımladığımız fuar; galeri sahipleri, koleksiyonerler, sanatçılar ve ziyaretçiler arasında doğrudan temas kurarak samimi bir yaklaşımı tercih ediyor. Bu deneyim sanatın keşfedilmesinin çok ötesine geçip unutulmaz anlar yaratıyor. Önemli eserleri hayranlıkla izleyebilir, genç koleksiyoner ya da daha uzman koleksiyonerler için ilham verici konuşmaları dinleyebilir, anıtsal enstalasyonlar arasında dolaşabilir ve hatta Noel ağaçları altında bir kadeh şarap içip yemeğin tadını çıkarabilirsiniz. Art Antwerp güçlü bir bölgesel boyuta sahip olmasına rağmen dünyaya açık olmayı da hedefliyor: 11 ülkeden 70 katılımcı galeri arasında 250 uluslararası sanatçı yer alıyor. BİR KEZ DAVET EDİLEN GALERİ KABUL EDİLMİŞ DEMEKTİR Art Antwerp’e katılım kriterleri neler? Art Antwerp'in bir önceki edisyonuna katılmış olan galeriler davet komitemiz tarafından yapılan bir seçimle tekrar katılım daveti alan ilk galeriler oluyor. Başvurular yapıldıktan sonra (son başvuru tarihi ilkbahar), davet komitesi yeni seçilen uluslararası galeriler listesine davetiye gönderiyor. Süreç çok basit, bir kez davet edilen galeri katılmış demektir. Katılmak isteyen galerilerden sık sık spontane sorular alıyoruz. Bu galerilerden, galeri profillerine ilişkin bilgilerle birlikte ayrıntılı bir stand teklifi sunmalarını talep ediyoruz. Dikkatli bir değerlendirme ve davet komitesi tarafından yapılan oylamanın ardından ilgili galeriye kabul edilip edilmediklerini bildiriyoruz. GALERİLER ARTIK SOLO SUNUMLARI TERCİH EDİYOR Bu yılki fuarda yer alan sanatçıların yüzde 30'unun 35 yaşın altında olması dikkat çekici. Bu bir tesadüf mü yoksa bilinçli bir tercih mi? Fuarda genç sanatçıların ağırlıkta oluşu Art Antwerp'in değişen bağlamının nihai bir sonucu. Başlangıçta, yani pandeminin belirsiz zamanlarında, fuar ağırlıklı olarak yılda 7 ila 10 fuara katılan ve lokal sanatçıların yer aldığı grup sergileri sergileyen galerilerden oluşuyordu. Galerilerin başlıca motivasyonu, mevcut zorlukların ortasında dirençli bir etkinliğin parçası olmaktı. Ardından global fuar takvimi yeniden canlandı ve bugünlerde her zamankinden daha fazla fuar var. Art Antwerp'teki galeriler artık Antwerp, Flanders ve çevre bölgelerin sanat ve kültür camiasıyla sürdürülebilir ilişkiler kurma arzusuyla hareket ediyor. Dolayısıyla, daha genç sanatçıların temsil edilmesine yönelik bu değişim mantıklı bir sonuç. Daha az sayıda fuara katılan genç galeriler, gelişmekte olan sanatçılara yer verme eğiliminde. Galeriler giderek daha fazla bireysel sanatçıyı ön plana çıkarıyor, bu da bu yılki sunumların yüzde 31'ini oluşturan solo ya da ikili projelerin oranına yansıyor. Solo sunumlar bir galeri için sanatçıyı tanıtmanın en iyi yolu. Bununla birlikte, sanatçıların geri kalan yüzde 70'inin 35 yaşın üzerinde olduğunu ve çok beğenilen sanatçıları temsil eden galerilere ev sahipliği yapmaya devam ettiğimizi söylemeliyim. Mesela ilk edisyondan bu yana katılımcı olan Lelong&Co Gallery, Pierre Alechinsky, David Hockney, David Nash, Kiki Smith gibi büyük isimlerin eserlerini sergiliyor. Maurice Verbaet Gallery, 20. yüzyılın ikinci yarısından tanınmış Belçikalı sanatçıların eserlerini sunarken Guy Pieters, Sam Francis ve Yves Klein gibi uluslararası tanınmış isimlerin eserlerine yer veriyor. Dolayısıyla Art Antwerp, genç yeteneklerin canlılığı ile köklü sanatçıların ağırbaşlılığını harmanlayan bir seçki sunuyor. En İyi Stant Ödülü'nün verilmesinin amacı nedir? 2023’teki üçüncü edisyonumuzun ardından stantların kalitesi ve cesaretinde önemli bir gelişme gözlemledik. Giderek artan sayıda galeri, genellikle tek bir sanatçının ya da ikilinin çalışmalarına odaklanan, sanatsal açıdan iddialı projeleri tercih ediyordu. Her galeri kendi stantını sunma konusunda tam yetkiye sahip olsa da bu yenilikçi projeler özellikle dikkat çekiyor ve ziyaretçiler arasında heyecan yaratıyor. İşte bu düşünceyle En İyi Stant Ödülü'nü oluşturmaya karar verdik. Bu ödül cesur ya da sıra dışı bir sunumla kendini öne çıkaran bir galeriyi tanımayı ve vurgulamayı amaçlıyor. Bir örnek vermek gerekirse, Bruno V. Roels'in bir solosunu sunan Gallery FIFTY ONE'ın projesi potansiyel bir adaydır. Cennete giden bir tür bekleme odası olarak tasarlanan stantları, konseptteki cesaret ve özgünlüğü mükemmel bir şekilde örnekliyor. FUARIN SAMİMİ VE BUTİK KARAKTERİNİ KORUYACAĞZ Art Antwerp'in gelecek vizyonu nedir? Fuarı önümüzdeki yıllarda yine butik boyutta mı tutmayı planlıyorsunuz, yoksa büyüme planları var mı? Art Antwerp, fuarın samimi ve butik karakterini korumaya kararlı. Fuarın cazibesi için çok önemli olduğuna inandığımız salonların sınırlı kapasitesine ve geniş koridorlara değer veriyoruz. Rahat atmosfer, fuarımızı farklı kılan ve katılan herkes için eşsiz bir deneyim haline getiren temel bir unsur. Art Antwerp, sanat meraklıları, moda tasarımcıları, mimarlar, küratörler, müze müdürleri, sanatseverler ve girişimcilerden oluşan çok çeşitli bir topluluk için canlı bir merkez olarak kendini kanıtladı. Bir sanat fuarına katılmak sadece bir etkinlikten daha fazlasıdır; seçici bir kitlenin kültürel ve yaratıcı ilgi alanlarıyla rezonansa giren bir yaşam tarzı seçimidir. Her geçen yıl ziyaretçi sayısında istikrarlı bir artış görüyoruz. Bu ivmeyi sürdürmeye ve Art Antwerp'in yarattığı coşkuyu geliştirmeye kararlıyız. Antwerp'teki güçlü galerilerle lokal bağlantılarımızı sürdürmeye ve daha fazla uluslararası galeriyi ağırlayarak fuarın global erişimini genişletmeye de odaklanmış durumdayız. Açık bir başvuru çağrısı olmadığından fuarın varlığı yabancı galeriler tarafından halen bilinmiyor olabilir ve global sanat camiasında görünürlüğümüzü artırmamız gerektiğinin farkındayız. Daha küresel bir bakış açısı benimseyerek ziyaretçilerimize lokal sanatçılardan genç sanatçılara kadar keşfedebilecekleri zengin bir yelpaze sunmayı amaçlıyoruz.

Media Partner Yuzu Magazine December 2024 | Art & Culture TR BELOW TIME to GET to KNOW ART ANTWERP words Onur Baştürk NELE VERHAEREN Managing Director ANDRIESSE-EYCK GALERIE Marijn van Kreij BELGIAN GALLERY Cindy Wright BY LARA SEDBON Stephen Whittaker DE BOER Brad Phillips DE BOER Michael St John Cut GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALERIA PRESENÇA Diogo Nogueira GALERIE CLAIRE GASTAUD Milène Sanchez GALERIE DYS Abel Burger GALERI FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERIE FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERI FLEUR + WOUTER Fiona Lutjenhuis GALLERY SOFIE VAN de VELDE Koos Buster GUY PIETERS GALLERY KETELEER GALLERY Jo Lle Dubois MAGNIN-A Amadou Sanogo UITSALLING GALLERY Aaron-Victor Peeters UITSALLING GALLERY Elia Vanderheyden BASE ALPHA GALLERY Nadia Naveau Anthena VALERIUS GALLERY Ethel Coppieters NELE VERHAEREN Managing Director ANDRIESSE-EYCK GALERIE Marijn van Kreij BELGIAN GALLERY Cindy Wright BY LARA SEDBON Stephen Whittaker DE BOER Brad Phillips DE BOER Michael St John Cut GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALLERY FIFTY ONE Bruno V. Roels GALERIA PRESENÇA Diogo Nogueira GALERIE CLAIRE GASTAUD Milène Sanchez GALERIE DYS Abel Burger GALERI FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERIE FLEUR+ WOUTER Fiona Lutjenhuis GALERI FLEUR + WOUTER Fiona Lutjenhuis GALLERY SOFIE VAN de VELDE Koos Buster GUY PIETERS GALLERY KETELEER GALLERY Jo Lle Dubois MAGNIN-A Amadou Sanogo UITSALLING GALLERY Aaron-Victor Peeters UITSALLING GALLERY Elia Vanderheyden BASE ALPHA GALLERY Nadia Naveau Anthena VALERIUS GALLERY Ethel Coppieters The contemporary art fair Art Antwerp, organized by Art Brussels, is returning to Antwerp Expo for its fourth edition from December 12 to 15. Since its debut in 2021, the fair has been known for its cheerful year-end atmosphere and will once again host 70 galleries carefully selected by the Invited Committee. One of Art Antwerp’s highlights is its ability to bring together both established and emerging artists. This year, visitors can look forward to large-scale installations by artists such as Aaron-Victor Peeters (Uitstalling Art Gallery), Bruno V. Roels (Gallery FIFTY ONE), Florian Tomballe (PLUS-ONE Gallery), Bert De Geyter (Settantotto Art Gallery, Ghent), and Willem Boel (BARBÉ, Ghent). To further spotlight each gallery's project, Nina Hendrickx, the former director of Antwerp’s renowned Zeno X Gallery, has been invited as the curatorial text writer. We spoke with the fair’s director, Nele Verhaeren, to learn everything we’re curious about. Over to her… What are Art Antwerp's strategies and how does it differ from other fairs? Would you consider Art Antwerp an example of the growing trend of micro or boutique art fairs? Art Antwerp stands out for its unique DNA. Often described as a "boutique fair," it favours a direct and friendly approach, with direct contact between gallery owners, collectors, artists, and visitors. The experience goes well beyond the mere discovery of art: it is also about creating memorable moments. One can admire major works, listen to inspiring talks for young collectors or more specialized collectors, wander among monumental installations in the aisles, or even enjoy a glass or a dish under the Christmas trees, all in a warm and festive atmosphere. Art Antwerp is also appreciated for its human scale size, which makes it easy to explore. Although it has a strong regional dimension, it aims to be open to the world: among the 70 participating galleries from 11 countries presenting 250 international artists. THE PROCESS IS SIMPLE, ONCE INVITED THE GALLERY IS ON BOARD What criteria do you use to select galleries for Art Antwerp? Do you also accept applications from galleries that reach out directly? A selection of galleries, done by our Invitation Committee, that participated in the previous edition of Art Antwerp are the first ones to receive an invitation to participate again. Once their applications are submitted (deadline is in spring), the Invitation Committee extends invitations to a newly selected list of international galleries. We send out invitations on behalf of the Invitation Committee to encourage these galleries to join the committed participants. The process is very simple, once invited the gallery is on board. We frequently receive spontaneous inquiries from galleries interested in participating. For these galleries, we request that they submit a detailed stand proposal along with information about their gallery profile. After careful consideration and a vote by the Invitation Committee, we inform the respective gallery whether they have been accepted or not. GALLERIES NOW PREFER SOLO PRESENTATIONS Was the representation of artists under 35 years old deliberate or coincidental? Initially, during the uncertain times of the pandemic, the fair predominantly consisted of galleries who were participating in 7 to 10 fairs annually, showcasing group exhibitions featuring established artists. Their primary motivation was to be part of a resilient event amidst the prevailing challenges. Meanwhile, the international fair calendar picked up again and nowadays there are even more fairs than ever. Galleries at Art Antwerp are now driven by a desire to establish sustainable relationships with the artistic and cultural community of Antwerp, Flanders and surrounding regions. Therefore, this shift to see more younger artists represented is a logical consequence. Younger galleries, which typically partake in fewer fairs, are inclined to feature emerging artists. Galleries are increasingly spotlighting individual artists, which is reflected in the notable proportion of solo or duo projects, making up 31% of this year's presentations. The solo presentations are the best way to for a gallery to introduce an artist. Nevertheless, it's important to acknowledge that the remaining 70% of artists are over 35 years old, and we continue to host galleries that represent highly acclaimed artists. For instance, Lelong & Co Gallery, a participant since the first edition, showcases works by big names such as Pierre Alechinsky, David Hockney, David Nash, Kiki Smith, to name a few. Maurice Verbaet Gallery presents pieces by renowned Belgian artists from the latter half of the 20th century, while Guy Pieters offers works by international established names such as Sam Francis and Yves Klein. Therefore, Art Antwerp presents a diverse array, blending the vigour of youthful talent with the gravitas of established artists. What was the purpose of introducing the Best Booth Award? What are the criteria for selecting the winner? Following the conclusion of our third edition (Art Antwerp 2023), we have observed a significant evolution in the quality and boldness of the booths. An increasing number of galleries are opting for artistically ambitious projects, often focused on the work of a single artist or a duo. Although each gallery has carte blanche to present its booth, these innovative projects have particularly captured attention, generating excitement among visitors. It is with this in mind that we have decided to create the Best Booth Prize. Several criteria will guide the selection. The committee members will evaluate, in particular: - the quality of the exhibited works, - the coherence and originality of the project, - the curatorial audacity, - the visual engagement and aesthetic impact, - the trajectory of the artist (CV) or artists presented, - and openness to diversity or emerging talents or the recognition of a career. To give an example, the project by Gallery FIFTY ONE, which presents a solo by Bruno V. Roels, is a potential candidate. Their booth, designed as a sort of waiting room leading to paradise, perfectly exemplifies boldness and originality in concept. But there are, of course, other examples. The Prize could also go to an artist’s presenting a body of work such as Marijn Van Keij at Andriesse Eyck with works on paper, drawings and collage created the last 10 years. ART ANTWERP AIMS TO MAINTAIN ITS BOUTIQUE CHARACTER What is Art Antwerp’s vision for the future? Do you plan to keep the fair boutique-sized in the coming years, or are there plans for expansion? Art Antwerp is committed to preserving the fair's intimate and boutique character. We cherish the limited capacity of the halls and the spacious aisles, which we believe are crucial to the fair's charm. The cozy atmosphere is a fundamental element that distinguishes our fair and makes it a unique experience for all who attend. Art Antwerp has established itself as a vibrant hub for a diverse community of art enthusiasts, fashion designers, architects, curators, museum directors, art lovers, and entrepreneurs. Attending an art fair is more than just an activity; it's a lifestyle choice that resonates with the cultural and creative interests of a discerning audience. Year after year, we've seen a steady increase in the number of visitors. We are committed to maintaining this momentum and building upon the enthusiasm that Art Antwerp generates. Our aim is to continue fostering this dynamic environment, where passion for art and design not only brings people together but also inspires and enriches their lives. While we are dedicated to maintaining our deep local connections with a strong stake of galleries from Antwerp and we are equally focused on broadening the fair's international reach by welcoming more international galleries. Since there is no open call for applications, the existence of the fair may still be relatively unknown to foreign galleries, and we recognize the need to increase our visibility in the international art community. By adopting a more global (European) perspective, we aim to offer our visitors an even richer array of artistic talent to explore going from a mix of established to young artists. In addition to showcasing a diverse selection of art, we are committed to enhancing the overall experience of the fair. We strive to ensure that Art Antwerp remains a warm and inviting space for visitors, particularly during the festive end-of-year period. Our objective is to create an ambiance that not only exhibits outstanding art but also harmonizes with the celebratory atmosphere of the season.

November 2024 | Travel TURKISH BELOW FLAVORS of ATHENS: WHERE to EAT + DRINK 24 recommendations from Athens’ Thriving Food Scene. (Note: Our guide is updated monthly!) AKRA Located in Athens, Akra is a minimalist yet flavor-packed restaurant founded by chef Giannis Loukakis—known for Mourga and +Trofi in Thessaloniki—together with Spiros Pediaditakis. Loukakis, who values respect for ingredients, keeps his culinary techniques simple, just like at his Thessaloniki venues. The focus here is on seasonality, meaning the menu constantly evolves. Expect dishes that are smoked, grilled, or cooked over an open flame. Sustainability is key, with efforts to minimize food waste. Don’t miss the shared fish soup and the desserts! Instagram @akra_ath SOIL Chef Tasos Mantis, originally from Lesbos, developed his green thumb as a child, learning gardening from his father. After honing his skills at globally renowned restaurants, he returned to Greece and has spent the last decade tending his garden in Alepochori, a village an hour from Athens. This garden is an essential extension of Soil, his restaurant, where rare Greek herbs, edible flowers, and fresh vegetables often find their way onto the menu. Instagram @soilrestaurant.gr VEZENE Self-taught chef and butcher Ari Vezené is credited as one of the first in Athens to blend traditional Greek recipes with unique ingredients, creating complex flavor profiles cooked over a wood fire. Opened in 2011, Vezene remains a local favorite. Instagram @vezene BIRDMAN Birdman, another venture by chef Ari Vezené, is a cozy Japanese grill bar paying homage to Tokyo’s late-night eateries and jazz kissa bars. It serves next-gen yakitori alongside analog tunes. Must-tries include the Iberico Katsu and Mutton Tsukune. Instagram @birdmanathen s ATHENEE With a history dating back to 1939, this elegant venue has hosted iconic figures like Odysseas Elytis, Melina Mercouri, and Sophia Loren. Reopened by the Panas brothers, Athenee offers a blend of sophistication and timeless charm. Don’t miss the brunch or lunch experience. Instagram @atheneeathens PHARAOH Located in the lively Exarcheia neighborhood, known for its politically charged street art, rare record and vintage guitar shops, and vibrant live music bars, Pharaoh quickly became a popular spot after opening two years ago. This energetic restaurant and wine bar also features vinyl records spinning in the background. Don’t miss the traditional dishes by chef Manolis Papoutsakis, such as dolmadakia and beef with orzo. Be sure to explore the list of over 400 natural wines—they're fantastic! Instagram @pharaohathens LINOU SOUMPASIS & SIA This modern tavern, located in an old candle shop in Psiri, features lighting inspired by the delicate candles found in churches. Led by chef Lukas Mailer, the restaurant serves exquisite dishes like fish soup that are not to be missed. Instagram @lsandsia OKIO Casual yet stylish, Okio offers bold Asian twists on traditional Mediterranean recipes, with a focus on fish and seafood. Instagram @okio.restaurant TUDOR HALL Situated on the 7th floor of the King George Hotel, Tudor Hall stands out for its breathtaking views of the Acropolis. Perfect for a romantic evening, the menu presents modern takes on Greek cuisine through a concise à la carte and tasting menu. Instagram @tudorhallrestaurant NOLAN Just steps from Syntagma Square, this contemporary bistro defies culinary labels, blending global influences. In the summer, the team relocates to their Mykonos outpost, bringing their dynamic energy to the island. Instagram @nolanrestaurant OIKEIO A cozy two-story eatery with outdoor seating, Oikeio specializes in homestyle Greek dishes. Highlights include sardines, moussaka, and octopus in vinegar. Instagram @oikeio_restaurant COOKOOVAYA Korfu-born chef Periklis Koskinas (photo credit: Andreas Simopoulos) describes himself as an "untiring traveler”. His modern, open-kitchen restaurant focuses on fresh seafood, delivering dishes with bold flavors. Instagram @cookoovaya TANPOPO Opened in 2023 by chef Sotiris Kontzias, known for Nolan and Proveleggios, Tanpopo (meaning "dandelion" in Japanese) is an intimate ramen spot with just three tables. Start with a Tanpopo Negroni, then dive into the shoyu ramen with crispy pork and enoki mushrooms. Note: It closes at 6:30 PM daily, except Saturdays. Instagram @tanpopo.athens LINE Ranked 6th on the World’s 50 Best Bars list, Line occupies a former art gallery and stands out as a creative hub in Athens. The bar was founded by renowned mixologists Vasilis Kyritsis and Nikos Bakoulis, creators of The Clumsies, along with Dimitris Dafopoulos, co-founder of Three Cents Artisanal Beverages. At Line, ingredients aren’t just mixed into cocktails—they’re also made in-house. The bar produces its own fruit wines, beers, and artisanal bread, offering a truly unique experience. Instagram @line.athens HYTRA Chef George Felemegkas reimagines traditional Greek flavors in a modern context at Hytra. Instagram @hytra_restaurant IODIO IODIO is the latest venture of Michelin-starred chef Georgianna Hiliadaki, who also provides consultancy services to renowned restaurants like Zurbaran and Gatsby. Instagram @iodio_athens HERVÉ Hervé offers an avant-garde dining experience led by French-born chef Hervé Pronzato. With influences from French, Asian, and Italian cuisines, the seasonal menu highlights local ingredients and innovative techniques. Instagram @herverestaurant JERAR Located away from the tourist hub, Jerar is worth the trip. Chef Charis Nikolouzos crafts globally inspired dishes with Greek roots, including a standout “Mikrolimano Shrimp.” Instagram @jerar_athens DELTA Nestled within the Stavros Niarchos Foundation Cultural Center (SNFCC), Delta is a two-Michelin-starred restaurant that embodies the intersection of fine dining and sustainability. Located on the fifth floor of the building, which also houses the National Library of Greece and the Greek National Opera, Delta offers a dining experience as striking as its architectural surroundings. The restaurant is helmed by chefs George Papazacharias and Thanos Feskos, both of whom have honed their skills at some of Europe’s most prestigious establishments. Their philosophy places sustainability at the heart of their culinary approach, emphasizing local ingredients, innovative techniques, and zero-waste practices. Instagram @delta_restaurant SEYCHELLES Hidden in the vibrant Metaxourgeio neighborhood, Seychelles has been a favorite local hangout since it opened in 2014. The menu is all about simple, delicious Greek dishes with a creative touch—don’t leave without trying the wine-braised octopus and grilled beef tongue. Pair them with a glass of wine from their excellent selection and enjoy the warm, welcoming vibes. Photo Anthony Katra Instagram @seychellesrestaurant TAVERNA TON FILON The newest venture by Seychelles chef Yiannis Mousios, this cozy spot in Kolonos sources its ingredients from farms in Kimolos, Evia, and Crete. Highly recommended dishes include spinach and Rethymno Galomyzithra cheese-stuffed gigantes—a true standout! Instagram @tavernatonfilon GORLOMI Located in Kolonaki, Gorlomi is a sleek Italian restaurant designed by Bobotis+Bobotis Architects. The menu, crafted by chef Luca Piscazzi, shines with dishes like homemade pasta, risotto, and perfectly poached fish. Instagram @gorlomiathens BOTRINI’S Set in a old school building with a beautiful garden, Botrini’s is the brainchild of chefs Ettore Botrini and Nikos Billis. Their inspiration comes from the places they grew up: Ettore draws from the flavors of Corfu and Tuscany, while Nikos finds his roots in the Pelion region. The restaurant offers two exceptional tasting menus—Peripatos ("A Leisurely Walk") and Taksidi ("Journey")—featuring innovative dishes like swordfish marinated in seawater and creations celebrating Greece's tsipouradika culture. Photo Yiorgos Kaplanidis Instagram @botrinisrestaurant.official ASŌTOS A modern Greek restaurant in Pangrati, Asōtos is dedicated to high-quality, locally sourced ingredients. Chef Michael Merzenis embraces simplicity and excellent produce for a refined yet unpretentious experience. Instagram @aswtos_ ATİNA YEME-İÇME REHBERİ Atina'nın sürekli gelişen yeme-içme sahnesinden 24 öneri! (Not: Rehberimiz aylık olarak güncellenmektedir!) AKRA Selanik’in gastronomi sahnesinin halen en çok konuşulan restoranlarından biri olan Mourga ve yanı sıra +Trofi’nin (“Syntrofi” olarak okunuyor) kurucularından olan şef Giannis Loukakis’in Spiros Pediaditakis ile birlikte açtığı Atina’daki Akra, minimalist ambiyansa sahip ama lezzet açısından hayli yoğun bir restoran! Çünkü şef Loukakis büyük saygı duyduğu malzemelerle uğraşmayı fazla sevmiyor ve tıpkı Selanik’teki restoranlarda olduğu gibi burada da mevsimsellik tutkusu ön planda. Menü bu nedenle sürekli değişiyor ve neredeyse her şey tütsülenip ızgara yapılıyor ya da açık ateşte kızartılıyor. Ayrıca gıda israfı mümkün olduğunca en aza indirgenmiş durumda. Paylaşımlık gelen balık çorbası ve ayrıca tatlılara dikkat! Instagram @akra_ath SOIL Küçük yaşlarda babasından bahçe bakımını öğrenen Midillili şef Tasos Mantis, global üne sahip restoranlarda çalıştıktan sonra memleketine döndü ve son 10 yıldır Atina'ya bir saat uzaklıktaki Alepochori köyünde kendi bahçesiyle ilgileniyor. Şefin bahçesi aynı zamanda restoranı Soil'in vazgeçilmez bir uzantısı. Bu nedenle menüdeki yemeklere sık sık nadir Yunan otları, yenilebilir çiçekler ve taze sebzeler eşlik ediyor. Instagram @soilrestaurant.gr VEZENE New York doğumlu şef Ari Vezené kendi kendini yetiştirmiş bir şef ve kasap. Şef Vezené, geleneksel Yunan tariflerini farklı malzemelerle harmanlayıp odun ateşinde pişirerek karmaşık lezzet profilleri ortaya çıkaran Atina’daki ilk şef. 2011’de açılan Vezene halen popüler. Instagram @vezene BIRDMAN Şef Ari Vezene’nin bir başka restoranı olan Birdman, Tokyo’nun gece geç saatteki lokantalarına ve caz Kissa tarzı barlarına saygı duruşunda bulunan, yeni nesil yakitori servis eden ve analog melodiler sunan samimi bir Japon grill-bar. Iberico Katsu’su ve Mutton Tsukune’si özellikle tavsiye! Instagram @birdmanathen s ATHENEE Bu tarihi mekanın hikâyesi 1939’a dek uzanıyor. Öyle ki, zarif ve lüks ortamı yıllar boyunca Odysseas Elytis, Nikos Gatsos, Melina Mercouri, Sophia Loren, Anthony Quinn gibi 20. yüzyılın önemli figürlerini ağırlamış. 75 yıl sonra Spyros ve Chrysanthos Panas kardeşlerin mekanı yeniden açmasıyla tarih yeniden yazılmaya başlandı diyebiliriz. Brunch ya da lunch’ını mutlaka deneyin. Instagram @atheneeathens PHARAOH Sokakları siyasi içerikli duvar resimleriyle donanmış, nadir plak ve vintage gitar satan mağazaları ve canlı müzik barlarıyla bilinen Exarcheia mahallesinde iki yıl önce açılan Pharaoh, kısa sürede popüler olmuş bir restoran ve şarap barı. Aynı zamanda vinil plakların çaldığı hayli enerjik bir mekan! Şef Manolis Papoutsakis’in hazırladığı geleneksel yemeklerden mutlaka dolmadakia ve arpalı kızarmış dana etini deneyin! 400'den fazla doğal şaraptan oluşan listeye de mutlaka göz atın, harika şaraplar var! Instagram @pharaohathens LINOU SOUMPASIS & SIA Psiri’de yer alan bu yeni nesil taverna eski bir mum dükkânında yer alıyor ve mekan kiliselerde bulunan ince balmumu mumlarla aydınlatılıyor. Restoranın leziz mutfağı şef Lukas Mailer liderliğinde. Balık çorbasını mutlaka tatmalısınız! Instagram @lsandsia OKIO Cool ve casual bir ambiyansa sahip Okio’da geleneksel Akdeniz tariflerine cesur Asya dokunuşları yapılıyor. Restoranda balık ve kabuklu deniz ürünleri ön planda. Instagram @okio.restaurant TUDOR HALL Syntagma Meydanı'nın yanındaki King George Hotel'in yedinci katındaki Tudor Hall elbette öncelikle Akropolis manzarasıyla dikkat çekiyor. Eğer romantik bir akşam yemeği istiyorsanız burası tam size göre. Menü de yormuyor. Kısa bir alakart ve bir tadım menüsü etrafında inşa edilen menüde Yunan mutfağına modern bir yaklaşım var. Instagram @tudorhallrestaurant NOLAN Syntagma Meydanı'na birkaç adım mesafedeki bu modern bistronun mutfağında coğrafi kısıtlamalar yok. Kendilerini herhangi bir mutfak kategorisiyle sınırlandırmıyorlar. Yan tarafta bir de pastaneleri var, Sweet Nolan. Restoran yaz aylarında tüm ekibiyle birlikte Mykonos’taki yerlerine taşınıyor. Instagram @nolanrestaurant OIKEIO İki farklı katta, dışarda masaları olan, ev yemeği tarzı yemekler yapan küçük bir restoran. Menüsü taze malzemelerle hazırlanıyor. Sardalya, musakka ve sirkeli ahtapot gibi yemekler var. Instagram @oikeio_restaurant COOKOOVAYA Kendini “yorulmak bilmeyen bir gezgin” olarak tanımlayan Korfu doğumlu şef Periklis Koskinas’ın tamamen açık mutfağa sahip modern restoranında balık özellikle çok lezzetli! Instagram @cookoovaya TANPOPO Nolan ve Proveleggios’u açan şef Sotiris Kontzias’ın 2023’te açtığı ramen restoranı Tanpopo (Japonca'da karahindiba anlamına gelen taraxacum bitkisi), mütevazı bir tasarıma, üç masaya sahip ama yemekler enfes. Önce bir Tanpopo negroni söyleyin, sonra da kızarmış domuz eti ve enokili bir shoyu ramen sipariş edin. Restoranın cumartesi hariç her gün saat 18.30'da kapandığını hatırlatalım. Instagram @tanpopo.athens LINE Eski bir sanat galerisi içinde açılan Line, bu yılki The World’s 50 Best Bars listesine altıncı sıradan girdi. Global üne sahip The Clumsies’in kurucuları Vasilis Kyritsis ve Nikos Bakoulis ile Three Cents Artisanal Beverages’ın kurucu ortağı Dimitris Dafopoulos’un beraber açtığı Line’da malzemeler sadece karıştırılıp kokteyl olarak servis edilmiyor, aynı zamanda çoğu malzeme mekanın içinde yapılıyor. Öyle ki Line, kendi meyve şaraplarını, biralarını ve artizan ekmeklerini dahi üretiyor. Instagram @line.athens HYTRA Şef George Felemegkas tarafından hazırlanan Hytra menüsü, geleneksel Yunan lezzetlerinin modern bir yorumundan oluşuyor. Instagram @hytra_restaurant IODIO Zurbaran, Gatsby gibi restoranlara danışmanlık da veren Michelin yıldızlı şef Georgianna Hiliadaki’nin yeni restoranı. Instagram @iodio_athens HERVE Hervé’nin üç ortağı Herve Pronzato (Restorana adını veren Fransa doğumlu şef), George Efthimopoulos ve Grigoris Kikis’in cesur, yenilikçi, teşvik edici ve ilerici yemek deneyimine buyurun! Menüleri yılın her döneminde en iyi yerel malzemeleri yansıtacak şekilde mevsimsel olarak değişiyor. “Herhangi bir mutfak kategorisine girmiyoruz” diyorlar, “Ancak birçok mutfaktan, yerel sokak yemeklerinden ve pazarlardan, modern bir yaklaşımla sunulan geleneksel eski usul unutulmuş tekniklerden etkileniyoruz”. Merkezden biraz uzakta yer alan bu modern restoran için Fransız, Asya ve İtalyan mutfağından etkilenen füzyon yemekler içeriyor diyebiliriz. Instagram @herverestaurant JERAR Jerár, şehrin turistik merkezinden uzakta, ama iyi yemek söz konusu oldu mu mesafeler önemsizdir değil mi? Jerar’ın şefi Charis Nikolouzos, Yunan köklerini Fransız ve İtalyan mutfak detaylarıyla birleştiren global yemekler yapıyor. Özellikle “Mikrolimano Karidesi”ne dikkat! Instagram @jerar_athens DELTA İki Michelin yıldızlı Delta, Yunanistan Ulusal Kütüphanesi ve Yunan Ulusal Operası'na da ev sahipliği yapan Stavros Niarchos Vakfı Kültür Merkezi'nin (SNFCC) içinde yer alıyor. Binanın beşinci katındaki bu restoranın etkileyici iç tasarımı kadar her ikisi de Avrupa'nın en iyi restoranlarında eğitim almış şeflerine dikkat çekmek isteriz: George Papazacharias ve Thanos Feskos. İki şef de sürdürülebilirliği mutfaklarının merkezine koyuyor. Instagram @delta_restaurant SEYCHELLES 2014’te Metaxourgeio semtinde açılan popüler Yunan restoranı Seychelles’e gitmeden olmaz! Yüksek tavanlı bu davetkâr restoranda şarapta pişmiş ahtapot, ızgara dana dil ve kabak ve domatesli köfte tavsiye! Instagram @seychellesrestaurant TAVERNA TON FILON Seychelles’in başarısından sonra şef Yiannis Mousios 2023 sonlarında Kolonos'ta bu yeni mekanı açtı. Ürünlerini Kimolos, Evia ve Girit'teki çiftliklerden temin eden restoranın menüsünden ıspanaklı ve Rethymno Galomyzithra peynirli Gigantes tavsiye! Instagram @tavernatonfilon GORLOMI Kolonaki’de yer alan bu şık İtalyan restoranın tasarımı Bobotis+Bobotis Architects’e ait. Şef Luca Piscazzi tarafından hazırlanan menü ise ev yapımı makarna, risotto ve haşlanmış balıkla parlıyor. Instagram @gorlomiathens BOTRINI’S Botrini's güzel bir bahçeye sahip eski bir ilkokul binasında yer alıyor. Restoranın ilhamı bizzat şeflerinin, yani Ettore Botrini ve Nikos Billis’in büyüdüğü yerler. Ettore Botrini’nin ilham kaynakları Korfu ve Toskana, Nikos Billis'in ise Pelion Dağı. Botrini’s iki özel tadım menüsüne sahip: Peripatos (Yavaş bir yürüyüş) ve Taksidi (Yolculuk). Bu menülerde deniz suyunda marine edilmiş kılıç balığı ve Yunan tsipouradika kültürünün lezzetlerini kutlayan yemekler gibi yenilikçi kombinasyonlar var. Instagram @botrinisrestaurant.official ASŌTOS Şehrin en yeni restoranlarından biri olan Asōtos, Pangrati bölgesinde, Aminta Caddesi'nde açıldı. Modern bir Yunan mutfağı deneyimi sunan Asōtos, yerel üreticilerden tedarik edilen yüksek kaliteli malzemelere odaklanıyor. Şef Micheal Merzenis’in mottosunu hatırlatalım: Sadelik ve mükemmel malzeme! Instagram @aswtos_

December 2024 | Art & Culture TURKISH BELOW NEFELI PAPADIMOULI the SKIN CONNECTS US to the OUTSIDE WORLD words Onur Baştürk ohotos Nazlı Erdemirel Skinscapes, the first solo exhibition in Istanbul by Greek artist Nefeli Papadimouli, who lives in Paris, has opened at The Pill. Before exploring the exhibition, take a moment to hear what the artist has to say about her practice... When and how did focusing on architectural costumes become central to your art practice? How has this practice evolved over time, and how do you evaluate where you are today? The ongoing research project Relational Cartographies, which includes the architectural costumes, emerged in my practice with Être Forêts during the lockdown. It was first exhibited when galleries reopened after the long pause. At that time, I aimed to create a work that could act as a vector, a catalyst for building communities, where participants in performative actions would feel connected both literally and metaphorically. I began by developing a material protocol of connections to activate through performances. This consisted of a system of textile modular elements—pockets and containers that attached to the bodies of each participant. These costumes, or corporeal masks, took form as wearable sculptures. I wanted to design wearable structures that facilitated transitions: from oneself to another, akin to ritualistic masks, and between people through the connective protocol. My goal was to position participants in a vectorial state, placing them in an “in-between” space of identities or conditions. During rehearsals, I observed a transformative effect: the costumes seemed almost magical, allowing my collaborators to feel altered, to experience being “Other.” As I worked on this project, I realized it visually and methodologically translated a politics of connection, proposing that spatial configurations of distance could serve as foundational elements for social balance. This realization sparked my passion for exploring ecosystems that emerge when material bodies are seen as spatialized and spatializing entities in dialogue with their environments. This proto-architectural approach now defines my practice, enabling me to explore methods of organizing and visualizing interpersonal and intersubjective correlations. This research, and the six large-scale works it has produced so far, is deeply rooted in my architectural education. It examines the relationship between body and space and how their mutual interpretations shape our society. Today, amidst the undeniable ethical and ecological crises we face—a cataclysmic reality that makes the future feel like the past—I feel compelled to focus on the connections living bodies can create over time (linking us to both past and future) and the relationships between living beings and specific places, including our rights to land. THE SKIN, AS OUR LARGEST LIVING ORGAN The title of the exhibition at The Pill, Skinscape, is a combination of two words. Why did you choose to merge these two words? What is the philosophy behind this name? Skinscapes is the title of one of the series of works featured in the exhibition. We chose it as the title for the entire exhibition because it provides a conceptual framework encompassing the diverse works presented. The skin, as our largest living organ, simultaneously protects us from and connects us to the outside world—the Other. It allows us to breathe; it is a boundary yet also a passage. It functions as an adornment or surface, but fundamentally, it is our physical link to everything surrounding us. All the works in the exhibition address the idea of connection—between one and another—and aim to become vectors for creating relationships: studying transformations and initiating new relational landscapes. They explore transitions between the individual and the collective and vice versa. Will there be people wearing the costumes at the exhibition in Istanbul? Or will the costumes, as you describe them, be displayed “on strike,” hanging on the walls? The works from the Relational Cartographies series and the Objects to Connect series being shown in this exhibition share a dual existence. When displayed in the exhibition space “on strike,” they function as sculptures, taking on the status of artworks. Alternatively, they can also act as accessories or prosthetics for scripted collective performative actions. For this exhibition, we chose to present the works “on strike,” accompanied for the first time by archives and research materials developed during the realization of the performances. In this way, the works themselves become witnesses of past events, carrying traces of previous performances while also serving as invitations for their future actualizations. ARTIST, MOTHER AND MEDITERRANEAN Your work seems to take an anti-stance towards the fashion industry. How do you view the fashion industry? I understand that this question can arise when seeing my work. In their forms, my works, at least the wearable ones, could present connections to the fashion world. I feel though that the works are hybrid creations and they are informed or we could find their origins in different disciplines of the history of art, like painting, sculpture, theater, dance, fashion or architecture. Now, take a step back and look at yourself from the outside. Try to describe yourself in three words. Which words would you use and why? This is a difficult exercise. I think it is impossible to see oneself from the outside without the feelings, desires and fears that each one experiences. But I think the most evident words that would define me are artist, mother and Mediterranean. The first two, are the two roles that describe my everyday life, that I struggle to combine sometimes, that they give me immeasurable happiness and inevitable frustrations. The Mediterranean is probably because of my attachment to the sea, to the noise, to the sun which make my overall temper. What inspires you? I’m not sure “inspiration” is the right word to describe what drives me in the studio. Instead, I feel deeply connected to people, books, works, situations, and stories I encounter in my life. These encounters—whether physical or virtual—nourish my work. I see some of my creations as “homages” to others—artists, architects, activists, friends, and lovers. Discovering the work and writings of Brazilian artist Lygia Clark, for example, was a transformative experience for me that profoundly shaped my artistic approach. NEFELI PAPADIMOULI DERİ, BİZİ ‘ÖTEKİ’YE BAĞLIYOR Paris’te yaşayan Yunan sanatçı Nefeli Papadimouli’nin Skinscapes başlıklı İstanbul’daki ilk kişisel sergisi The Pill’de açıldı. Sergiyi gezmeden önce sanatçının pratiğine dair söylediklerine kulak verin… Mimari kostümlere odaklanmak sanat pratiğinizin merkezine ne zaman ve nasıl yerleşti? Bu pratik zaman içinde nasıl gelişti? Relational Cartographies, mimari kostümleri içeren ve süregelen araştırma, “Etre Forets” ile karantina sırasında pratiğimde yer almaya başladı. Uzun bir aradan sonra sergi mekanları yeniden açıldığında ilk kez sunuldu. O dönem toplulukların yaratılması için bir vektör, bir başlatıcı olma kapasitesine sahip, performatif eylemlere dahil olacak, insanların kendilerini gerçek ve metaforik olarak birbirlerine bağlı hissedeceği bir iş yaratmaya çalışıyordum. Performanslar aracılığıyla harekete geçirmek için maddi bir bağlantı protokolü oluşturarak işe başladım. Her katılımcının bedenine takılacak cepler; tekstil modüler elemanlardan oluşan bir sistemden oluşuyordu. Kostümler ya da bedensel maskeler, giyilebilir heykeller olarak ortaya çıkıyordu. Bir geçişe izin verecek giyilebilir formlar yaratmak istedim: Ritüelistik bir maske gibi kendinden diğerine ve bağlayıcı protokol aracılığıyla bir kişiden diğerine… Niyetim, katılımcıları vektörel bir duruma yerleştirecek, onları “iki kimlik ya da durum arasında bir boşlukta” konumlandıracak formlar yaratmaktı. Provalar sırasında, kostümlerin bir tür sihir olduğunu ve onları giyen iş birlikçilerimin kendilerini dönüşmüş ve “öteki” hissedeceklerini farkettim. Bu işi yaratma sürecinde projenin görsel ve metodolojik olarak belirli bir bağlantı politikasını tercüme ettiğini ve projenin mesafenin mekansal konfigürasyonlarının sosyal dengenin birincil unsuru olabileceğini önerdiğini anladım. Sürece tutkuyla bağlanmaya başladım. Maddi bedenleri mekansallaşmış, mekansallaştıran varlıklar ve çevreleriyle ilişkileri olarak incelerken ortaya çıkan olası ekosistemlerin çeşitliliği üzerine çalışmaya odaklanmak istediğimi fark ettim. Bu benim proto-mimari yaklaşımım haline geldi ve şu anda kişiler arası ve özneler arası korelasyonların farklı organizasyon yöntemlerini ve görselleştirme tekniklerini keşfetmek için uyguluyorum. Bu araştırmanın ve şimdiye kadar gerçekleştirdiğim altı büyük ölçekli çalışmanın, mimar olarak aldığım eğitimden kaynaklandığını ve beden ile mekan arasındaki ilişkiye ve birinin diğerine yaptığı karşılıklı yorumların toplumu nasıl yarattığına odaklandığını anlıyorum. Bugünlerde içinde yaşadığımız ve geleceğimizin çoktan geçmiş olduğunu hissettiren bu yadsınamaz etik ve ekolojik kriz, sanatsal projelerimi canlı bedenlerin zaman içinde yaratabileceği bağlantılara ve canlı varlıkların belli bir yere nasıl bağlı olduğuna yoğunlaşma dürtüsünü hissettiriyor. DERİ BİZİ “ÖTEKİ”YE BAĞLIYOR The Pill'deki serginin başlığı Skinscapes iki kelimenin bileşiminden oluşuyor. Neden bu iki kelime? Skinscapes, sergide yer alan eser serilerinden birinin başlığı. Bu kişisel serginin başlığı olarak kullanmaya karar verdik, çünkü sunulan farklı işleri kapsayacak kavramsal bir çerçeve olarak işlev görebileceğine inanıyoruz. Deri en büyük canlı organ. Bizi dış dünyadan koruyor ve aynı zamanda “öteki’ye bağlıyor. Nefes almanın bir yolu. Aynı zamanda bir geçit. Sergideki tüm işler birinden diğerine bağlantıları ele alıyor ve ilişkilerin yaratılması için vektörler olmaya istekliler: Dönüşümleri incelemek ve yeni ilişkisel manzaralar başlatmak, bireyselden kolektife ve tam tersine geçiş yapmak için… İstanbul'daki sergide kostümleri giyen insanlar olacak mı? Yoksa sizin “grevde” olarak tanımladığınız kostümler duvarda asılı olarak mı sergilenecek? Sergide sunduğumuz İlişkisel Kartografi ve Bağlanacak Nesneler serisinden işlerin ortak noktası iki farklı durumda varolabilmesi. Bir yandan sergi mekanında sunulduklarında grevdeyken, sanat eseri statüsünde heykel olarak da görülebilir. Öte yandan, eserler senaryolaştırılmış kolektif performatif eylemler için aksesuar ya da protez işlevi de görebilir. Bu sergi için eserlerin grevdeyken ve ilk kez, performansların gerçekleştirilmesi için geliştirilen arşiv ve araştırmalar eşliğinde sunulmasına karar verdik. Bu şekilde işler, kendileriyle birlikte geçmiş performansların tüm izlerini taşıyarak geçmiş olayların tanığı haline geliyor ya da gelecekteki tüm gerçekleşmeler için davetiye işlevi görüyor. Çalışmalarınız moda endüstrisine karşı bir duruş sergiliyor gibi görünüyor. Moda endüstrisini nasıl görüyorsunuz? Çalışmalarımı görünce bu sorunun ortaya çıkabileceğini anlıyorum. İşlerim, en azından giyilebilir olanlar, formları itibariyle moda dünyasıyla bağlantı sunabilir. Yine de eserlerin melez yaratımlar olduğunu ve resim, heykel, tiyatro, dans, moda veya mimari gibi sanat tarihinin farklı disiplinlerinden beslendiklerini hissediyorum. SANATÇI, ANNE VE AKDENİZLİ Kendinize dışarıdan bakmaya çalışın ve kendinizi üç kelimeyle tanımlamaya çalışın. Hangi kelimeleri kullanırdınız ve neden? Bu zor bir egzersiz! Herkesin deneyimlediği duygular, arzular ve korkular olmadan kendini dışardan görmenin imkansız olduğunu düşünüyorum. Ama sanırım beni tanımlayacak en belirgin kelimeler sanatçı, anne ve Akdenizli. İlk ikisi, günlük hayatımı tanımlayan, bazen birleştirmek için mücadele ettiğim, bana ölçülemez mutluluklar ve kaçınılmaz hayal kırıklıkları veren iki rol. Akdeniz muhtemelen denize, gürültüye ve güneşe olan bağlılığımdan kaynaklanıyor ve bu da benim genel karakterimi oluşturuyor. Size ilham veren nedir? Beni stüdyoda yaratmaya iten dürtüyü tanımlamak için kullanacağım kelimenin ilham olup olmadığından emin değilim! Hayatımda karşılaşma şansına sahip olduğum insanlara veya kitaplara, eserlere, durumlara, hikâyelere derinden bağlanıyorum ve çalışmalarımı besleyen şey bu fiziksel ya da sanal karşılaşmalar oluyor. Bazı işlerimi başkalarına (sanatçı, mimar, aktivist, sevgili) “saygı duruşu” olarak görüyorum. Brezilyalı sanatçı Lygia Clark'ın çalışmalarını ve yazılarını keşfetmenin benim için sanat pratiğine yaklaşımımı derinden etkileyen dönüştürücü bir deneyim olduğunu kesinlikle paylaşabilirim.